“Не пытайтесь выяснить, что хотел сказать художник”. Как понять абстрактное искусство

be Smart
05 Августа 20205 минут на прочтение

Недавно мы учились понимать искусство. Но одно дело картины Айвазовского, а другое – абстракции в духе “Чёрного квадрата” Малевича. Так что вместе с Еленой Наборовской, культурологом, куратором и бывшим замдиректора галереи “Арт-Беларусь”, разбираемся в “каляках-маляках” и узнаём, как их понимать. 

Полина Безуглая
Главный редактор Chrysalis Mag
– Я уже никогда не спорю с этим высказыванием, но с удовольствием даю несколько советов, чтобы взглянуть на абстрактную живопись под другим углом. 

Не пытайтесь выяснить, что хотел сказать художник. Да, перед полотнами Ротко, Поллока или Малевича мы чувствуем себя не так уверенно, как перед полотнами реалистов, ведь на них нет объекта, за который можно зацепиться взглядом. В этом и есть главное отличие: художник-абстракционист вообще не стремится изобразить окружающий мир, у него нет такой цели. 

К середине 19 века художники в совершенстве освоили перспективу, композицию, мастерство изображения достигло небывалой высоты, а наука продвинулась так далеко, что материалы стали доступными и разнообразными. Но парадокс в том, что мир к этому времени настолько усложнился, что не мог найти отражение в реалистичной живописи. Художники различных направлений решили, что контакт между автором и зрителем происходит не через визуальную схожесть, а через линии, пятна и мазки краски — так искусство освободилось от связи с предметами.

Многие абстракционисты имеют классическое образование, они могут создать академический рисунок, но почему-то не хотят. Они специально ориентируются на визуальный опыт, то есть художник облегчают задачу зрителю, помогают погрузиться сразу в эмоциональное переживание.
Скажу неожиданно — будьте рациональны и используйте формальный анализ. Многие зрители перед картиной не испытывают ни вдохновения, ни наслаждения, но ощущают грусть и раздражение. Почему так происходит, что в музее появляется вопрос “Умеет ли вообще художник рисовать?” В такой ситуации анализируйте. Предлагаю простой алгоритм: 
  1. Успокойтесь.
  2. Спросите себя, что перед вами? Картина, скульптура, графика или живопись?
  3. Какие материалы были использованы для создания?
  4. Как взаимодействуют между собой формы и линии произведения? Двигаются ли они или статичны?
  5. Какие элементы изображения находятся на первом плане, а какие на втором?
И, наверное, самое важное — прислушайтесь к себе, определитесь с вашими эмоциями. Всегда спрашивайте у себя, весело ли вам, тревожно ли, комфортно или же появляется чувство подавленности. Позвольте своему разуму свободно взаимодействовать с цветом и формой. 
Есть приятное утверждение, что живопись — это визуализированная поэзия. Поэтому я советую развивать свою насмотренность. Чем больше ваш глаз увидит, тем ему будет проще разбираться в абстракции.

С кого начать? Для себя я определила два пути. Первый — исторический, то есть пройти в своем изучении этап за этапом, обращая внимание на исторические события и их влияние на искусство. Этот путь смело начинайте в конце 19 века и двигайтесь к удивительной второй половине 20 века, где вас ждут философские и медитативные Марк Ротко, Агнесс Мартин, Барнетт Ньюман, Герхард Рихтер, Элен Франкенталер и многие другие. 
Второй путь — смотрите то, что вам нравится. Если вы любите эксперименты начала 20 века, то погружайтесь в круг Василия Кандинского, Казимира Малевича, обязательно познакомьтесь с амазонками авангарда  — Натальей Гончаровой, Ольгой Розановой, Александрой Экстер, чьё время наконец-то настало. Если вам ближе экспрессивное искусство, то добро пожаловать в мир американской живописи. Но, пожалуйста, не забывайте про контекст, старайтесь изучать авторов, когда знакомитесь с их искусством. 
Это может показаться наивным, но я посоветую книгу Франсуазы Барб-Галль “Как говорить с детьми об искусстве”. Она построена в виде потенциальных вопросов детей разного возраста про произведения искусства 20 века и ответов. Ведь самое важное на пути изучения не прочитать ответ, а задать правильный вопрос. А что касается художников, назову шесть имён:
Ольга Розанова, "Зелена полоса", 1917 г.
Ольга Розанова — представительница русского авангарда с уникальным колористическим талантом. Прошла несколько направлений авангарда, вышла через супрематизм к цветописи. В 1917 году создала один из шедевров беспредметной живописи XX века — картину “Зелёная полоса”.
Марк Ротко, "Белый центр (жёлтое, розовое и лиловое на розовом)", 1950 г.
Марк Ротко — американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля.
Джексон Поллок, "№5, 1948", 1948 г.
Джексон Поллок — американский художник. Был широко известен своей техникой наливания или разбрызгивания жидкой бытовой краски на горизонтальную поверхность, которая позволяла ему просматривать и рисовать свои полотна со всех сторон.
Агнес Мартин, The Islands, 1961 г.
Агнес Мартин — канадско-американский живописец. Творчество этой художницы часто относят к минимализму, сама Мартин считала себя абстрактным экспрессионистом. Её стиль характеризуется акцентом на линии, сетки, полями тонкого цвета.
Герхард Рихтер, Abstraktes Bild, 1994 г.
Герхард Рихтер — современный художник Германии. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В 2005 году он занимал первое место в ежегодном списке журнала “Капитал” — самые дорогие и успешные мастера современной немецкой живописи.
Яёи Кусама, Fields in Spring, 1988 г.
Яёи Кусама — японская художница. Её живопись, коллажи, мягкие скульптуры, перформансы и инсталляции разделяют одержимость повтором, узорами, аккумуляцией. В её работах присутствуют черты феминизма, минимализма, сюрреализма, ар брют, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием.